Over that time, Samanta worked on a series of seven pictorial boxes related to her earlier production, now transformed into a small-scale format that utilizes new forms of connecting different elements, many of which resonated from Samanta’s childhood. One such feature is the music powered by a hand crank in four of the boxes. In this interview with Ruth, Samanta discusses how she started painting and the context for this project, entitled the Little Music Box.
Ruth Estévez: Samanta, could you tell us a little about your trajectory, how you got started, and your interest in realist painting?
Samanta Rched Abugauch: I used to paint with my grandfather reproductions of classical works. After we ate, my grandfather would use orange peels to draw the characters he invented for the stories he would tell me before nap time; there would be a new story every day and at night, and before going to bed, he would show me painting catalogs. I used to dream that I was in one of the paintings that he would describe to me. The next morning, I would tell him my dream and we would draw it together in an intimate diary. He died when I was only seven years old. When I was twenty-five, my brother returned from a trip and brought me some Rembrandt paintbrushes that were just like those that my grandfather had used, and I decided I had to take up painting again. It was then that I started to study painting in the realist tradition.
Another important turning point for me was when I began to frequent contemporary art spaces, which opened my gaze to other inspirations and models beyond my classical and academic training that was closely tied to historical realism. In 2017, I held my first individual exhibition, Te crié entre algodones (I Raised You Among Cotton), at the Women’s Museum in the Córdoba, Argentina.
RE: Up until now your paintings have often focused on animal motifs, generally in the farm and domestic sphere. Animals often appear in your work en masse, as if they were micro-populations or small societies. It immediately makes me think of systems of hyper-production, in which these types of animals are raised in very small spaces to supply the needs of a growing population. What do animals represent in your work?
SRA: Whenever I have an idea, I write about it and, when possible, I make a photographic record of the animals that are part of it. Fieldwork and documentation are fundamental. This allows me to observe, touch, and feel what I am doing before completing an idea. These are long sessions, lasting many hours, and sometimes I return to the place to continue recording before starting to paint. In the cases of animals, I like to interact with them; they help me return to the realm of the natural and understand our own nature.
Animals appear as dense, repeated, heavy masses. I think of the paintings as a scene or narrative. Going back to dreams, when we sleep it is as if we were in a movie, sometimes as protagonists, other times as spectators or even as the director. In that sense, studying with Roger Koza [a film critic with the Córdoba newspaper, La voz del Interior] was very helpful for me at a certain moment in my life. Analyzing the moving image helped me understand the screen as a small space in which many things happen, connecting through different senses.
For example, in this series that we are presenting, the Little Music Box, the small format—something that I had never employed before—helped me think about my work in terms of scenes, as a storyboard or stills. I choose a single character, stripped of its context, repeated throughout each box.
RE: When we started talking about this series, the topic of fables and children’s stories, which were used as moral fables in ancient times, came up immediately. Elements that mix the savage with the innocent, the grotesque with the beautiful, etc. Animals also acquire human qualities in stories, according to the moral quality that humans have assigned that specific species (fox = cunning, raven = greed, lamb = innocence, etc.). Although they function in an abstract form, your paintings for this series seem to tell stories and follow a narrative. Could you say a little about the themes that you have chosen and how the different elements are connected?
SRA: Sure. There is a return to childhood and certain ideas of repression dressed up as animal stories. It is a return to oblivion. There are figures of the collective unconscious that, freed from any moral quality, function as anti-fables or as their own liberation, the representation of the profane as the sacred.
The animals chosen were largely domestic or domesticated: dogs, cats, pigs, sheep, chickens, ostriches, cows, storks, and bears, both stuffed animals and real ones. For some reason, bears are the only wild animals represented. Females predominate, and their young make an appearance. Each animal tells a story, and they all form part of the same narrative; elements are constantly repeated in all of them and can be read in different senses.
Sheep appear, and I start to count: 1, 2, 3… It is time to sleep, and the flock descends like a great offshoot of the unconscious—they chew panties, and they wrap up a body with their wool, entangled in a nightmare. Female dogs show their bellies to the moon, pigs drink mud, while cows bathe in milk. And as the stork breaks a fable into a long courtship of union, a cat takes pleasure, and the mud is sweet, and the eggs are made of chocolate and paradise is the earth, where everything floats with balloons and rises up into a sky of cotton. The sheep brought about that long and dark night entangled in a nightmare, or perhaps a dream.
RE: For this series, you have changed the large-scale painting format in order to work with these pictorial boxes, which display different drawings and objects. To a certain extent, they remind me of nineteenth-century cardboard theaters, which served as sets for small domestic performances. How do you imagine these boxes? Can you describe the process of changing scale?
SRA: They are eclectic, they are like boxes of paintings, or of souvenirs, a mixture of lockets and games. Changing the scale and format was fundamental in this process. It turned it into an object work, a small medicine box in which I enclose each story. [There are seven boxes in the series, three of which are 12 x 12 inches; and four are 16 x 12 inches. Fabrication materials include wood, metal hinges, oil on canvas, and various personal objects—baby toys and clothes, incense, lingerie, a piece of wool fabric, and elements such as crockery and Christmas decorations.] There are domestic objects, some of which have been intervened on—paintings, sketches, music, aromas, textures. Memory is loaded with memories from all the senses. Changing the scale of my monumental paintings to these boxes led me to a more personal work, more individual and intimate, like the subjects of which they speak.
There is no one order or single way of displaying them or looking at each of these boxes. I like that you have to interact with them like a game. Each box shapes its own story.
The process of changing scale was gradual. It took a lot of processing work to reach the ideal format. It was a process of trial and error that made me rethink many aspects of my work. It was like making a synthesis or summary of many archived ideas while also being open to experimentation. I feel like this project is a true turning point for me.
Samanta Rched Abugauch
Artist Selma Samanta Rched Abugauch was born in 1987 in Córdoba, Argentina. When she was young, she painted with her grandfather, and her uncles were musicians, so her exposure to art was extensive from early on. After her grandfather died, Samanta didn’t paint again until she began studying at the university. In 2007, she enrolled as an advanced student of architecture at the Faculty of Architecture, Urban Studies, and Design at the National University of Córdoba. There she studied painting, from 2013–19, in the workshops of Diego Dayer (a disciple of Roger Mantegani, well known in the classical painting tradition of the 1980s in Argentina), and production and thought, with Marcos Acosta. She also had internships with José Pizarro and Marcelo Nusenovich and the support of Roger Koza. During that time she also met her partner, Emiliano Arias, a visual artist with a degree in history and director of the Piccadilly Art Gallery, and she came to know contemporary art practice, and to visit and participate in art fairs, which expanded other perspectives and occasions to show her work.
Her first solo exhibition, in 2017, was entitled Te crié entre algodones (I Raised You Among Cotton) at the Women's Museum of Córdoba. That same year she participated in group exhibitions at Paseo del Buen Pastor in Córdoba, and at Error, in Buenos Aires. Since 2018 she has participated in a number of exhibitions, including at the Spanish Culture Center and MAC (Contemporary Art Market) and the LAB1 collective show for the Farina Gallery in Córdoba; Cash Is King 2 at Saatchi Gallery in London; MAPA in Buenos Aires; and Cuando el polvo empiece a cubirte (When the Dust Starts to Cover You) at Piccadilly Gallery in Córdoba.
Samanta has been the recipient of select awards and distinctions, including, in 2015, “Figurativas” for painting and sculpture at the Museum of European Art, Barcelona; in 2018, at the Vincentin National Painting Gallery in Santa Fe, Argentina, and the Lab1 Ernesto Farina Gallery at the Provincial University of Córdoba; and, in 2019, the Bancor Painting Prize at the Bank of Córdoba Francisco Tamburini Architecture Museum.
In 2019, Samanta met Eloisa Haudenschild at MAPA, the contemporary art fair that was part of Art Week in Buenos Aires. That encounter began the collaboration with Ruth Estévez, which has resulted in the current online project, the Little Music Box, at haudenschildGarage.
Ruth Estévez
Ruth Estévez is a curator and stage designer. Her research focuses on artistic practices that explore how the spoken and written language operates with the visual arts, contemporary culture, and politics.
She is Artistic Director of Amant in New York and the co-curator of the 34th São Paulo Biennial, which opens in September 2021. From 2018 to 2020 she was senior curator-at-large at the Rose Art Museum in Waltham, Massachusetts, and curator of Idiorhythmias, the performance program at MACBA in Barcelona. She was REDCAT Gallery Director in Los Angeles (2012–2018) and Chief Curator at the Carrillo Gil Museum in Mexico City (2006–2011), where she also founded LIGA, Space for Architecture, a space dedicated to architecture and public art.
Selma Samanta Rched Abugauch es una artista de Córdoba, Argentina que en los años 2019-2021 realizó un proyecto pictórico para el haudenschildGarage con la curadora y escritora Ruth Estévez.
Durante ese tiempo, Samanta trabajó en una serie de siete cajas pictóricas que enlazan con su producción anterior de imágenes monumentales, ahora transformando el formato a pequeña escala y utilizando nuevas formas de conectar los diferentes elementos, muchos de los cuales hacen eco con la infancia de la artista. Una de estas características es la música impulsada por una manivela que se encuentra en cuatro de las cajas. En esta entrevista con Ruth, Samanta habla sobre cómo empezó a pintar y el contexto de este proyecto, titulado Little Music Box [Cajita de Música].
Ruth Estévez: Samanta, ¿Nos podrías contar un poco sobre tu trayectoria, tus inicios y tu interés por la pintura realista?
Samanta R. Rched Abugauch: Yo solía pintar con mi abuelo reproducciones de las obras clásicas. Después de comer, mi abuelo me dibujaba con las cascaras de las naranjas los personajes que inventaba para los cuentos que me contaba antes de dormir la siesta; había un cuento nuevo todos los días y en la noche, antes de dormir, me mostraba los catálogos de pintura. Yo solía sonar que estaba dentro de una de las pinturas que él me describía. A la mañana siguiente le contaba el sueño y lo dibujábamos en un diario íntimo. Él falleció cuando yo solo tenía siete años. A los 25 años, mi hermano me trajo de un viaje unos pinceles Rembrandt que eran iguales a los que usaba mi abuelo, y decidí que tenía que retomar la pintura. Ahí fue cuando comencé a estudiar pintura en la tradición realista.
Otro punto de inflexión importante para mí fue cuando empecé a frecuentar espacios de arte contemporáneo, que me abrieron la mira a otras inspiraciones y modelos fuera de mi formación clásica y académica que era muy vinculada al realismo histórico. En el 2017, hice mi primera exposición individual Te crié entre algodones en el Museo de la Mujer de la ciudad de Córdoba, Argentina.
RE: Hasta ahora tus pinturas han centrado a menudo en motivos de animales, generalmente en el ámbito doméstico y granja. En tus obras muchas veces los animales aparecen en masa, como si fueran micro poblaciones o pequeñas sociedades. Enseguida me hace pensar en los sistemas de hiperproducción, donde este tipo de animales se crían es espacios muy pequeños, para abastecer las necesidades de una población creciente. ¿Qué representan los animales en tus trabajos?
SRA: Siempre que tengo una idea, escribo sobre ella y, cuando es posible, hago registro fotográfico de los animales que la forman parte. Trabajo de campo y registro son fundamentales. Esto me permita observar, tocar y sentir lo que hago antes de completar una idea. Son sesiones largas, que duran muchas horas y a veces me gusta volver al lugar para seguir registrando antes de empezar a pintar. En el caso de los animales, me gusta interactuar con ellos; me ayudan a volver a lo natural y entender nuestra propia naturaleza.
Los animales aparecen como masas densas, repetidas y pesadas. Pienso las pinturas como una escena o una narración. Regresando a los sueños, cuando dormimos es como si estuviésemos en una película, a veces como protagonistas, otras como espectadores e incluso como director. En ese sentido, estudiar con Roger Koza [un critico de cine del diario Cordobés La voz del interior] me ayudó mucho en determinado momento. Analizar la imagen en movimiento me llevo a entender la pantalla como un espacio pequeño donde suceden muchas cosas que se conectan a través de diferentes sentidos.
Por ejemplo, en esta serie que estamos presentando, Little Music Box, el formato pequeño –algo que yo no había ensayado antes— me ayudó a pensar mi trabajo en términos de escenas, como un storyboard o fotograma. Elijo un mismo personaje despojado de su contexto, que se va repitiendo a través de cada caja.
RE: Cuando empezamos a hablar de estas series, salió en seguida el tema de las fábulas y los cuentos de niños, utilizados antiguamente como fábulas morales. Elementos que mezclan lo salvaje con lo inocente, lo grotesco con lo bello etc. Los animales también adquieren cualidades humanas en los cuentos, según la cualidad moral que los humanos han asignado a esa especie en concreto (zorro-astucia, cuervo-avaricia, cordero-inocencia, etc.). Tus pinturas para estas series, aunque funcionan de forma abstracta, parecen contar historias y seguir una narrativa. ¿Podías hablar un poco de los temas que has elegido y cómo se conectan los diferentes elementos?
SR: Cierto. Hay un retorno a la infancia y a ciertas ideas de represión travestidas de animales de cuentos. Es un regreso del olvido. Son figuras del inconsciente colectivo que, liberadas de cualquier cualidad moral, funcionan como antifabulas o la liberación de las mismas, la representación de lo profano como sagrado.
Los animales elegidos fueron en la mayoría domésticos o domesticados: perras, gatos, chanchas, ovejas, gallinas, avestruces, vacas, cigüeñas y los osos, tanto en peluche como los reales. Por alguna razón los osos son los únicos animales salvajes representados. Predominan las hembras y también aparecen las crías. Cada animal cuenta una historia y todas forman parte de la misma narración; los elementos se repiten constantemente en todas y se pueden leer en diferentes sentidos.
Aparecen las ovejas, y empiezo a contar: 1, 2, 3… Es la hora de dormir, y desciende el rebaño como un gran retoño del inconsciente – mastican bombachas, y con su lana van envolviendo un cuerpo enredando en una pesadilla. Las perras le muestran su panza a la luna, las chanchas beben el lodo, mientras las vacas se bañan de leche. Y mientras las cigüeñas rompen una fábula en un gran cortejo de unión, un gato se regodea, y el lodo es dulce, y los huevos son de chocolate y el paraíso es la tierra, donde toda flota con los globos y se alzan en un cielo de algodón. Las ovejas trajeron esa noche larga y oscura enredada en una pesadilla, o quizás en un sueño.
RE: Para estas series has cambiado el formato de la pintura a gran escala para trabajar con estas cajas pictóricas, que se despliegan en diversos dibujos y objetos. De alguna manera, me recuerdan a los teatritos de cartón de finales del siglo XIX, que servían como decorados para pequeñas representaciones domésticas. ¿Cómo imaginas estas cajas? ¿Nos puedes describir el proceso de cambiar de escala?
SR: Son eclécticas, son como cajas de pinturas, o de recuerdos, una mezcla de relicario y juego. El cambio de escala y formato fue fundamental en este proceso. Lo convirtió en obra objeto, un pequeño botiquín donde encierro cada historia. [Hay siete cajas en la serie, tres de las cuales son de 12 x 12 pulgadas, y cuatro miden 16 x 12. Los materiales de fabricación incluyen madera, bisagras de metal, oleo sobre lienzo y varios objetos personales – juguetes y ropa de bebé, incienso, lencería, un trozo de tela de lana, y otros elementos como vajilla o adornos navideños.] Hay objetos domésticos, algunos intervenidos – pinturas, bocetos, música, aromas, texturas. La memoria está cargada de recuerdos de todos los sentidos. Cambiar el escala de mis pinturas monumentales a estas cajas me llevó a una obra más personal, más individual e íntima, como los temas de los que hablan.
No hay un solo orden ni una única forma de desplegarlas y ver cada una de estas cajas. Me gusta que haya que interactuar con ellas como un juego. Cada caja va configurando su propia historia.
El proceso de cambiar de escala fue paulatino. Me llevó mucho trabajo de proceso hasta llegar al formato ideal. Fue un proceso de prueba y error que me hizo replantear muchos aspectos de mi trabajo. Fue como hacer una síntesis o resumen de muchas ideas archivadas pero también abiertas a la experimentación. Siento que esta proyecto es un verdadero punto de inflexión para mí.
Samanta Rched Abugauch
La artista Selma Samanta Rched Abugauch nació en 1987 en Córdoba, Argentina. Cuando era joven, solía pintar con su abuelo, y sus tíos fueron músicos, por lo cual tuvo una exposición extensiva al arte desde muy pequeña. Después de la muerte de su abuelo, Samanta no volvió a pintar hasta comenzar a estudiar en la universidad. En el 2007, entró como estudiante avanzada de arquitectura en la Facultad de Arquitectura, Estudios Urbanos y Diseño en la Universidad Nacional de Córdoba. Estudió pintura del 2013 al 2019 en los talleres de Diego Dayer (discípulo de Roger Mantegani, referente de la tradición de pintura clásica de los 80s en Argentina), y producción y pensamiento con Marcos Acosta. También hizo pasantías con José Pizarro y Marcelo Nusenovich y la guía de Roger Koza. Durante este tiempo conoció a su pareja, Emiliano Arias, un artista visual licenciado en historia y director de Piccadilly Galería de Arte, y empezó a conocer el ámbito del arte contemporáneo, visitar y participar en ferias de arte, lo cual le abrió otras perspectivas y posibilidades de exponer su trabajo.
Su primera exposición individual, en el 2017, se titulaba Te crié entre algodones en el Museo de las Mujeres de Córdoba. Ese mismo año participó en exposiciones colectivas en el Paseo del Buen Pastor en Córdoba y en Error, en Buenos Aires. Desde el 2018 ha participado en varias exposiciones, como en el Centro Cultural España Córdoba y el MAC (Mercado de Arte Contempóraneo) y el LAB1 Muestra Colectiva por la Sala Farina en Córdoba; Cash is King 2 en Saatchi Gallery en Londres; MAPA en Buenos Aires; y Cuando el polvo empiece a cubrirte en Piccadilly Galería en Córdoba.
Samanta ha recibido premios y distinciones selectos, entre ellos, en 2015 “Figurativas” por pintura y escultura en el Museo Europeo de Arte Moderno en Barcelona; en 2018, en el Salón Nacional de Pintura Vicentin en Santa Fe, Argentina, y el Lab1 Sala Ernesto Farina en la Universidad Provincial de Córdoba; y en 2019, el premio de pintura Bancor Banco de Córdoba Museo de Arquitectura Francisco Tamburini.
En 2019, Samanta conoció a Eloisa Haudenschild en MAPA, la feria de arte contemporáneo que formó parte de Art Week en Buenos Aires. De ese encuentro surgió la colaboración con Ruth Estévez, que resultó en el actual proyecto online, Cajita musical, en haudenschildGarage.
Ruth Estévez
Ruth Estévez es curadora y escenógrafa. Sus líneas de investigación se centran en prácticas artísticas que cuestionan cómo el lenguaje escrito y hablado opera con el arte visual, cultura contemporánea y la política.
Es Directora Artística de Amant en Nueva York y co-curadora del 34a Bienal de São Paulo, que abre en septiembre 2021. Del 2018 al 2020 fue curadora general senior en el Rose Art Museum en Waltham, Massachusetts, y curadora de Idiorhythmias, el programa de performance en el MACBA en Barcelona. Anteriormente, fue directora de la Galería en REDCAT en Los Angeles (2012-2018) y curadora en jefe del Museo Carrillo Gil en la Ciudad de México (2006-2011), donde también fundó LIGA, Space for Architecture, un espacio dedicado a la arquitectura y arte público.
